Elijah Woods กับเหตุผลที่ว่าทำไมดนตรีของเขาต้องมีความหมาย

การค้นพบเสียงของตัวเอง

ในตอนแรก มันเป็นเพียงแค่เสียงรบกวน Elijah Woods ซึ่งครั้งหนึ่งเคยเป็นโปรดิวเซอร์เบื้องหลังและนิยามตัวเองว่าเป็นนักประดิษฐ์ ใช้เวลาส่วนใหญ่ในปี 2020 ในห้องใต้ดินของเขา ตะโกนใส่ไมโครโฟน การบันทึกเสียงในช่วงแรกนั้นไม่ได้ผล ระดับเสียงของเขาแกว่งไปมา ถึงกระนั้น เขาก็ยังคงกลับมาทำมันทุกวัน ทดสอบเสียงต่างๆ และไล่ตามบางสิ่งที่เขายังไม่มีคำนิยามให้

นี่คือช่วงแรกของการแพร่ระบาด เมื่อโลกถูกกดปุ่มหยุดชั่วคราว และสิ่งที่เหลืออยู่มีเพียงสิ่งที่คุณสามารถทำได้ด้วยตัวเอง สำหรับ Elijah นั่นหมายถึงการหันกลับมามองภายในตัวเอง "ถ้าผมไม่ทำในตอนนั้น" เขากล่าว "ก็คงไม่มีเพลงใดๆ ออกมา และผมก็ไม่รู้เลยว่าตัวเองจะทำอะไรต่อไป"

การเปลี่ยนจากโปรดิวเซอร์มาเป็นศิลปินเดี่ยวไม่ได้มาจากการปรับโฉมครั้งใหญ่ แต่มันค่อยๆ คืบคลานเข้ามาอย่างเงียบเชียบจนแทบไม่ทันสังเกต เมื่อเขาเริ่มเขียนเพลงที่รู้สึกว่าเป็นเรื่องส่วนตัวเกินกว่าจะยกให้คนอื่น เพื่อนที่เขาไว้วางใจได้ฟังและพูดในสิ่งที่เขารู้อยู่เต็มอกว่า: นายควรจะร้องเพลงนี้เองนะ สัญชาตญาณแรกของเขาคือความลังเล แต่ช่วงเวลานั้นไม่เปิดโอกาสให้รอช้า เขาจึงก้าวออกมา ไม่ใช่เพราะเขารู้สึกพร้อม แต่เพราะความเงียบเริ่มรู้สึกหนักอึ้งกว่าความเสี่ยง

ศิลปินที่แตกต่าง

นั่นคือจุดเริ่มต้นที่ Elijah Woods เริ่มสร้างสิ่งที่กลายเป็นหนึ่งในอาชีพศิลปินป๊อปที่มีความตั้งใจแน่วแน่ที่สุดในยุคของเขา ดนตรีของเขาไม่ได้มุ่งหวังที่จะทำให้ตื่นตาตื่นใจด้วยความเนี้ยบหรือความโอ้อวด แต่มันกลับดำรงอยู่ในความจริงทางอารมณ์ เนื้อเพลงของเขาถ่ายทอดบทสนทนาที่เกิดขึ้นจริงและบุคคลที่เฉพาะเจาะจง ความซื่อสัตย์ในบทเพลงของเขารู้สึกไม่ธรรมดาในกลไกที่ดำเนินไปอย่างราบรื่นของวงการเพลงป๊อป อาจเป็นเพราะเขาไม่ได้มองว่าเพลงเหล่านั้นเป็นวัตถุที่สมบูรณ์แบบ "พวกมันรู้สึกเหมือนบันทึกในไดอารี่" เขากล่าวถึงซิงเกิลแรกๆ อย่าง Matthew และ 24/7, 365 ซึ่งทั้งคู่ได้รับแรงบันดาลใจมาจากความสัมพันธ์ที่เฉพาะเจาะจง "แม้ว่าตอนนี้ผมจะได้ยินสิ่งที่อยากจะแก้ไข แต่ผมก็ยังได้ยินเสียงของตัวเองที่ใช้ชีวิตอยู่ในช่วงเวลาเหล่านั้น"

ทุกกระบวนการสร้างสรรค์ย่อมมาถึงจุดที่สัญชาตญาณปะทะกับการคิดมากเกินไป Elijah รู้จักความตึงเครียดนั้นดี เขากล่าวอย่างเปิดเผยเกี่ยวกับแนวโน้มของเขาที่จะยึดติดกับรายละเอียด แต่เขาก็เข้าใจด้วยว่าไม่มีการปรับแต่งหลังการผลิตใดๆ ที่จะช่วยรักษาเพลงที่ขาดจิตวิญญาณที่แท้จริงไว้ได้ "คุณต้องมองภาพรวม" เขากล่าว "บางครั้งเมื่อบางอย่างมันลงตัว แม้ว่ามันจะยังดูดิบๆ อยู่ คุณก็ต้องปล่อยมือจากมัน"

ซิงเกิลล่าสุดของเขา Could You Love Me? เล่นกับแนวคิดนั้น เมื่อฟังครั้งแรก มันดูมีพลังและสดใส เป็นเพลงที่ฟังดูเหมือนควรอยู่ในเพลย์ลิสต์สำหรับฤดูร้อน แต่เนื้อเพลงกลับคลี่คลายบางสิ่งที่หนักอึ้งกว่านั้น: ความคับข้องใจ ความผิดหวัง และความสัมพันธ์ที่เริ่มเย็นชา มันเริ่มต้นจากการเป็นเพลงอะคูสติกจังหวะช้าๆ ที่เขียนร่วมกับเพื่อนๆ เกี่ยวกับการแตกหักที่ยากลำบาก

ในสตูดิโอ Elijah ได้ปรับเปลี่ยนมันใหม่ เขาปรับเสียงร้องให้ต่ำลง ใส่เอฟเฟกต์เป็นชั้นๆ ใช้เวลาเต็มหนึ่งเดือนในการโปรแกรมเสียงกลอง และในที่สุดก็ได้ตัว Jake Reed มือกลองที่เป็นที่รู้จักจากผลงานในภาพยนตร์ชีวประวัติของ Bob Dylan ที่เพิ่งเข้าฉาย มาเล่นสดให้ "มันต้องมีความเคลื่อนไหว แต่ยังคงต้องมีความหนักแน่น มันเป็นเพลงเศร้า แต่ผมต้องการให้มันรู้สึกมีชีวิตชีวา"

การสร้างสมดุลระหว่างศิลปะและความเป็นอิสระ

ความใส่ใจทั้งในด้านความรู้สึกและการใช้งานนี้ปรากฏอยู่ในผลงานทั้งหมดของ Elijah เขาไม่ได้มอบหมายงานให้คนอื่นมากนัก โดยจัดการทั้งการเขียนเพลง การผลิต และการเผยแพร่ผลงานของตัวเอง ความเป็นอิสระนั้นย้อนกลับไปเมื่อตอนที่เขาอายุ 14 ปี ขณะเป็นดีเจในงานปาร์ตี้ของโรงเรียนมัธยมภายใต้ชื่อ DJ Baseline ในตอนนั้น สิ่งดึงดูดใจคือเครื่องดื่มฟรีและความวุ่นวายเล็กน้อย แต่คืนหนึ่ง หลังจากขายเสื้อกล้ามและเดินออกมาพร้อมเงิน 700 ดอลลาร์ เขาได้ตระหนักถึงหลักการที่ว่า: หากคุณยอมรับความเสี่ยง คุณก็จะได้ครอบครองผลตอบแทน

มันติดตัวเขามาตลอด ตรรกะนั้นไม่เพียงแต่หล่อหลอมวิธีที่เขาสร้างสรรค์ดนตรี แต่ยังรวมถึงวิธีที่เขาวัดความสำเร็จด้วย "เมื่อบางอย่างประสบความสำเร็จ ผมคือผู้ชนะ เมื่อมันไม่เป็นเช่นนั้น นั่นคือความรับผิดชอบของผม" เขากล่าว "และผมชอบแบบนั้น ผมเห็นในวงดนตรีเก่าของผมว่าสิ่งต่างๆ พังทลายลงอย่างรวดเร็วเพียงใดเมื่อแรงขับเคลื่อนหยุดลง ดังนั้นตอนนี้ ผมจึงเป็นเจ้าของทุกอย่างด้วยตัวเอง"

Elijah ยอมรับว่าส่วนที่ยากที่สุดอย่างหนึ่งของการทำเพลงคือการเรียนรู้วิธีตัดขาดจากมัน "ช่วงเวลาหนึ่งผมบอกตัวเองว่าผมไม่ได้มีงานทำจริงๆ ผมแค่ทำเพลง" เขากล่าว "แต่นั่นไม่จริง งานของผมคือการปรากฏตัว การซื่อสัตย์ในสิ่งที่เขียน และการใช้ชีวิตในแบบที่หล่อเลี้ยงผลงาน" การดำรงอยู่เช่นนั้นไม่ใช่เรื่องง่ายเสมอไป เมื่อทุกอย่างรอบตัวคุณเริ่มรู้สึกเหมือนเป็นคอนเทนต์ ไม่ว่าจะเป็นเนื้อเพลง โพสต์ หรือช่วงเวลาในการทัวร์ มันก็ยิ่งยากขึ้นที่จะแยกชีวิตจริงออกจากวัตถุดิบ สัญชาตญาณเดียวกันที่ช่วยให้เขาจับใจความที่ถูกต้องได้ ก็สามารถทำให้การรักษาตัวตนให้มั่นคงเป็นเรื่องยากเช่นกัน

ความสำคัญของการปรากฏตัว

ถึงกระนั้น มันก็ไม่ใช่ความโดดเดี่ยวไปเสียทั้งหมด อิทธิพลที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งต่อผลงานล่าสุดของเขาคือความเชื่อมโยงกับผู้ชมในต่างประเทศ โดยเฉพาะในเอเชีย ฟิลิปปินส์เป็นประเทศที่มีความหมายเป็นพิเศษสำหรับเขา "ฝูงชนมอบพลังให้มากเหลือเกิน" เขากล่าว พร้อมระลึกถึงแฟนๆ ที่ร้องตามเนื้อเพลงที่คลุมเครือและชูป้ายที่มีข้อความจากเพลงที่เขาเกือบจะลืมไปแล้ว "ความเปิดกว้างทางอารมณ์ รายละเอียดต่างๆ มันน่าประทับใจในแบบที่ยอดเยี่ยมที่สุด"

เขาจะกลับมายังภูมิภาคนี้ในเดือนสิงหาคมนี้พร้อมกับทัวร์ Goodbye to Sunlight และจะขึ้นแสดงในงาน Summer Sonic ที่ประเทศญี่ปุ่นด้วย ครั้งนี้เขามาพร้อมกับความตั้งใจที่มากขึ้น "ปีที่แล้วผมรู้สึกทึ่ง ปีนี้ผมต้องการตอบรับพลังนั้น ผมต้องการมอบคอนเสิร์ต Elijah Woods ที่ดีที่สุดเท่าที่พวกเขาเคยเห็นมา"

เขาเคยเล่นเปิดให้กับศิลปินระดับโลกอย่าง Niall Horan และยกความดีความชอบให้กับการแสดงเหล่านั้นที่ช่วยขยายฐานแฟนคลับของเขา แต่เมื่อเป็นชื่อของเขาบนโปสเตอร์ บางอย่างก็เปลี่ยนไป "ความเชื่อมโยงนั้นลึกซึ้งกว่า ผู้คนมาพร้อมกับเสื้อที่สั่งทำพิเศษ พวกเขานำของขวัญมาให้ พวกเขาอ้างอิงเนื้อเพลงจากปี 2021 ระดับความใส่ใจนั้นจะคงอยู่กับคุณตลอดไป"

ครบรอบวงจร

ก่อนที่เราจะจบการสนทนา ผมถามเขาว่าจะทำอย่างไรถ้ามีคนนำป้าย DJ Baseline มาที่คอนเสิร์ต เขาตอบโดยไม่ลังเล "ผมจะชอบมาก นั่นคือเรื่องราวต้นกำเนิดของผม ผมคงจะตื่นเต้นสุดๆ" เขาหยุดไปครู่หนึ่งแล้วยิ้ม "พูดตามตรง ผมจะเอาสินค้าของ DJ Baseline กลับมาทำใหม่ แล้วแจกฟรี สำหรับคนที่ยังจำได้เท่านั้น"

มันเป็นคำตอบที่สะท้อนถึงแนวทางทั้งหมดของ Elijah Woods อย่างชัดเจน เขาเปิดเผยและไม่ซับซ้อน เขากำลังสร้างบางสิ่งที่แท้จริงด้วยดนตรีของเขาไปทีละชิ้น เขาสร้างสมดุลระหว่างความเสี่ยงและผลตอบแทน ความทรงจำและท่วงทำนอง โดยมีแต่ละส่วนเป็นสิ่งที่เขาต้องแบกรับไว้ด้วยตัวเอง

ภาพถ่ายโดย Hannah Woods

ขอขอบคุณเป็นพิเศษ Secret Signals